Werkgruppen der „New Formations“ von deCordova - Hebei Handheld Inkjet Group Co., Ltd

LINCOLN – Eine Kolonne menschlicher Körper, verheddert und umschlungen und von Tauben umschwärmt, ist das Bild, das Sie am Eingang von „New Formations“ im deCordova Sculpture Park and Museum begrüßt. Der von der Künstlerin Alicia Framis ins Leben gerufene Turm wurde 1997 in Amsterdam als Symbol des tiefgreifenden Protests errichtet.

Sie nannte es „Walking Monument“ und es stand kurzzeitig an der Stelle des niederländischen Nationaldenkmals für die Kriegstoten des Landes, das zur Restaurierung entfernt worden war. Der schwankende Haufen der Menschheit stand nur wenige Minuten da und fragte sich, was „öffentlicher“ Raum wirklich bedeutete. Der Dam-Platz, der Sitz des Nationaldenkmals, war 1980 zu einem Symbol ganz anderer Art geworden, als anlässlich der Krönung von Königin Beatrix niederländische Sicherheitskräfte gewaltsam mit riesigen Menschenmengen zusammenstießen, die zu Füßen des Denkmals gegen die Obdachlosenkrise des Landes protestierten. Wo das Denkmal als steinerner, stiller Tribut an die Toten gestanden hatte, verkörperte der Menschenturm die Kraft und Zerbrechlichkeit des Lebens.

Framis‘ Stück ist ein passendes Emblem für diese Show im weiteren Sinne. Es ist mitreißend und prekär und bereitet die Bühne für eine Reihe berührender Arbeiten, die unter einem wackeligen Thema zusammengefasst sind. „Neue Formationen“, so der große Einführungstext an der Wand, erforscht, wie Künstler „populäre, öffentliche Rituale“ – Proteste, Sportveranstaltungen, Paraden – „in neue Kunstformen“ verwandeln. Das ist breit genug, um nur den vagen Eindruck einer These zu vermitteln. Aber ich nehme es. Die Auszahlung lohnt sich.

„Neue Formationen“ sind in drei Rubriken unterteilt: „Pyramiden“, „Posen“ und „Prozessionen“. Jeder Abschnitt wird durch eine Collage altersvergilbter Schnappschüsse von Menschen beim gemeinsamen Spielen eingeleitet, eine subtile Erinnerung daran, dass das Blödsinn vor der Kamera keine Erfindung des Smartphone-Zeitalters ist. Darunter hat Kuratorin Sarah Montross Werke mit lockerer thematischer Resonanz gruppiert. Da sie breit gefächert sind, enthält jede eine Bandbreite an Formen: Fotografie, ob dokumentarisch, digital manipuliert oder sorgfältig inszeniert; Video, zufällig aufgenommen, sorgfältig geplant oder aus Archiven ausgesucht.

Die Spaltungen zwischen ihnen verschwinden unweigerlich. Im Kern wird die Ausstellung durch den menschlichen Körper als Ausdruck sowohl von Stärke als auch von Verletzlichkeit im öffentlichen Raum vereint und eindringlich dargestellt. Es gibt wenig Übereinstimmung zwischen einem öffentlichen Protest und einer Sportveranstaltung – die eine ist klagend, schrill; das andere ist angespannt und berauschend – aber beide fordern ihren Tribut vom Körper, da sich die Muskeln anspannen, die Stimmen angespannt sind und Cortisol fließt. „Neue Formationen“ ist eine starke Erinnerung daran, dass der Körper unser einziges Werkzeug ist, um die harten Realitäten der Welt zu meistern, was auch immer sich der Geist vorstellen mag.

Deshalb ist kollektives Handeln wichtig, und „New Formations“ nimmt es fast instinktiv auf. In der Ausstellung führen gebündelte Kräfte zu inhärent kraftvollen Ergebnissen, sei es in Framis‘ Bild oder in der Arbeit des amerikanischen Fotografen Tyler Mitchell, dessen Foto von schwarzen Teenagern, die in Formation Hula-Hoop tanzen, eine stoische Solidarität vermittelt.

Einsamkeit hingegen legt Verletzlichkeit offen. Für mich ist das kraftvollste Werk der Show „Suspension“ von Thenjiwe Niki Nkosi aus dem Jahr 2020, eine Videokomposition junger Turnerinnen, die in den Momenten vor ihren Übungen festgehalten wurden. Die Kamera nähert sich jungen Gesichtern, die mit Make-up überzogen sind und deren Gesichtsausdruck zwischen intensiver Konzentration und völligem Entsetzen schwankt. Die Isolation ist spürbar und strotzend – junge Frauen, die einsam zur Schau gestellt werden, belastet von der Angst, es nicht zu vermasseln. (Der vollständige Titel des Stücks nennt jeden der etwa zwei Dutzend Athleten einzeln.)

Nkosi wählte absichtlich schwarze und braune Mädchen aus, um die Bedeutung des Werks zu vertiefen. Turnen, heißt es im Begleittext, sei seit langem ein „von Weißen dominierter Sport“, der, so Nkosi, definiere, „wie Körper aussehen sollten, was Perfektion ist, was der ideale Mensch ist“. Dieser Kontext verstärkt sowohl den Leistungsdruck als auch eine eindimensionale Sichtweise des Leistungsträgers. Nkosi kombiniert ihr Video mit einem Gemälde von gesichtslosen braunhäutigen Turnern, die sich in einer sonnigen, vereinfachten Turnhallenumgebung zusammendrängen, und zeigt damit die oberflächliche Bewertung eines Sportlers durch die Gesellschaft, die nur auf Ergebnissen basiert. Denken Sie einen Moment an die Kritik, mit der die große amerikanische Turnerin Simone Biles während der Olympischen Sommerspiele 2021 konfrontiert wurde, weil sie es wagte, sich wegen psychischer Bedenken von einer Veranstaltung zurückzuziehen, und Sie werden verstehen, was ich meine.

Das Stück nagte an meinem Herzen, ein herausragendes Stück in einer Ausstellung, die zwischen emotionaler Tiefe und der oberflächlichen Faszination des formalen Spiels wechselt. Das Beste von Letzterem (im positiven Sinne) sind die schwindelerregenden Fotokompositionen von Pelle Cass, in denen Taucher und Turner den Luftraum über dem Wasser oder der Matte in todesmutigen Luftschwärmen zu drängen scheinen. Technisch elegant – Cass nutzte mehrere Belichtungen aus derselben Perspektive, um die Körper der Athleten im selben Raum digital zu überlagern – aber visuell hektisch sind die Bilder durch und durch fesselnde Einzeiler. Sie explodieren vor der Eindimensionalität der Leistung, die Nkosis Arbeit untergräbt.

Es ist ein schöner Moment, vor allem im Vergleich zu Dara Friedmans „Dancer“ aus dem Jahr 2011, einer frei gestalteten Kette von Filmmaterial spontaner Straßenaufführungen in Miami: Dutzende nicht zusammenhängender Episoden von Körpern bei öffentlichen körperlichen Feierlichkeiten. In einem Bild läuft eine Frau nackt auf Zehenspitzen am Rand eines Daches entlang; Unmittelbar darauf hüpfen, hüpfen und schlagen zwei Kinder über den Bürgersteig in einem unbekümmerten Spektakel der Ausgelassenheit der Jugend. Sie alle haben eines gemeinsam: die glückselige Unbekümmertheit der Körper, die sich durch den städtischen Raum bewegen, ein angespanntes und chaotisches Reich erzwungener Interaktion, in dem dennoch Freude zu finden ist.

Sein nahegelegenes Gegengewicht, eine Fotoserie von Senga Nengudi, fängt einen Festzug der anderen Art ein: „Ceremony for Freeway Fets“, 1978, eine Aufführung unter einer Interstate-Überführung in der Innenstadt von Los Angeles. Die Darsteller, Mitglieder des Anfang der 1970er Jahre gegründeten schwarzen Künstlerkollektivs Studio Z, spielten Musik und führten imaginäre Rituale am unsichtbaren Rand der Stadt durch.

Die letzten kleinen Räume von „New Formations“ befinden sich auf der unteren Ebene und wiederholen die seltsame Polemik. Heather Rasmussens fotografische Sektionen ihrer eigenen tänzerischen Gestalt füllen eine der Galerien; Sie sind seltsam klinisch und krankhaft surreal. Um ehrlich zu sein, ich habe sie geliebt – nur nicht hier, wo ihr kühler visueller Reiz weit außerhalb des nominellen öffentlichen, performativen Rahmens der Show zu liegen scheint.

Nebenan machen zwei Videos von Steffani Jemison die Zwietracht deutlich: Eines, körnig und aus der Hand aufgenommen, verfolgt Parkour-Athleten, wie sie einer nach dem anderen durch die zerklüftete Stadtlandschaft von South Central Los Angeles zappeln und taumeln – Jemisons expliziter visueller Kommentar dazu die Vorstellung, dass schwarze Männer vor der Polizei fliehen.

Das andere, „In Succession“, 2019, gedreht in lebendigem, silbernem Schwarzweiß, verkörperte für mich das Spektrum der Absichten der Show auf ganzheitliche Weise. Der geteilte Bildschirm fängt in träger Zeitlupe den Bau einer menschlichen Pyramide ein, fast ausschließlich als Nahaufnahme des Gesichts eines Mannes. Seine Stirn vertieft sich; Sein Mund versteift sich vor Anstrengung. Eine Hand und dann ein Schuh erscheinen auf seiner Schulter und klettern immer weiter nach oben. Diese irdischen Gefäße kämpfen und belasten und leiden allein, so scheint es zu sagen; aber gemeinsam kommen wir durch.

NEUE FORMATIONEN

Bis 13. März. deCordova Sculpture Park and Museum, 51 Sandy Pond Road, Lincoln. 617-542-7696, thetrustees.org/place/decordova

Murray Whyte ist unter [email protected] erreichbar. Folgen Sie ihm auf Twitter @TheMurrayWhyte.